Arthur Luiz Piza (São Paulo, São Paulo, 1928 – Paris, França, 2017). Gravador, desenhista, escultor. Apesar de ser pouco conhecido pelo público, é reconhecido pela crítica como um dos maiores artistas na história da gravura. Tratado como o mestre das gravuras construtivistas em relevo, tem uma vasta produção que reflete sua constante pesquisa por novos materiais e os modos de empregá-los. Explorando o contraste entre linhas fluidas e formas geométricas, equilibra o racionalismo do construtivismo e a liberdade do informalismo, vertentes da arte abstrata, destacando-se como um dos mais importantes gravuristas do mundo.

Inicia a formação artística em 1943, estudando pintura e afresco com Antonio Gomide (1895-1967). Após participar da 1ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1951, viaja para a Europa e passa a residir em Paris. Lá estuda com o alemão Johnny Friedlaender (1912-1992), importante artista do século XX, e se aperfeiçoa nas técnicas de gravura em metal, água-forte, talho-doce, água-tinta e ponta-seca. Suas primeiras gravuras dialogam com as de Friedlaender pelo grafismo irregular e pelas nuances surrealistas.

Gradualmente, suas obras apresentam maior preocupação construtiva, com a geometrização dos elementos. Introduz na gravura uma nova forma de trabalho: passa a esculpir, na placa de metal, formas geométricas – arredondadas, retangulares ou triangulares – com a utilização de buril, diferentes goivas, prego e martelo. As gravuras geradas exploram a transição entre as áreas de diferentes profundidades e também o jogo criado com a luz. Segundo Alan Silva, diretor do Museu do Senado brasileiro, o artista “se utiliza, com maestria, de um jogo de luzes para dar a ideia de espaço e dimensão às peças, que parecem saltar da tela e ganhar vida própria”¹. 

Piza percebe então que é possível traduzir esse procedimento para a pintura. Em 1959, passa a fazer relevos, picotando algumas aquarelas feitas à época e aproveitando os pequenos fragmentos para realizar colagens sobre tela, papel, cobre e madeira, à maneira de mosaicos, que, por vezes, são recobertos com camadas de tinta. Segundo o artista, o material é organizado com base na procura do ritmo próprio de cada composição, independentemente das outras já prontas.

Nesse processo, como aponta a pesquisadora Stella Teixeira de Barros, a cor se insinua cada vez mais na produção do artista, assim como o ritmo das partículas em relevo, e as formas tendem a se aglomerar em tramas mais saturadas. Para o crítico Paulo Sérgio Duarte (1946), há nesses relevos uma vontade de ordem que não se concretiza. Embora contenham algo que remete à seriação e à repetição, as pequenas partículas, sutilmente irregulares, combinam-se e convivem com liberdade de direções, às vezes quase caóticas. Ainda em 1959, é contemplado com o grande prêmio nacional de gravura na 5ª Bienal Internacional de São Paulo. 

Na série Capachos (1979), a tendência do artista em ocupar o espaço se torna mais visível. Os trabalhos são compostos de triângulos acoplados em alfinetes de metal sobre pedaços de sisal. Como aponta o crítico Tiago Mesquita (1978), nessas obras, o que antes sugeria volume e fluxo se transforma em tridimensionalidade.

O artista realiza a série Cortes e recortes (1984-1985), com base em incisões profundas em folhas de papel. Em alguns desses trabalhos, a cor amplia a percepção dos volumes. Em outros, como aponta Barros, a preservação do branco do papel faz com que a obra atinja o ápice da luminosidade modulada e cambiante. É possível ainda perceber na matéria as marcas do gesto do artista, similar ao que ocorre na gravura.

Em 1986, cria um mural tridimensional para o Centro Cultural da França, em Damasco, na Síria, com uma poética próxima àquela apresentada nas obras da série Capachos. Nos anos 2000, inicia-se a fase dos aramados. Nessas obras, articula redes de arames, cuja trama produz volume ao mesmo tempo que revela o fundo da tela, tal como ocorre com a pintura em um quadro.

Segundo o colecionador de arte e galerista Murilo Castro, essa é uma fase importante da carreira do artista, pois ele finalmente chega ao que busca ao longo de suas pesquisas: a forma ideal de espacializar a gravura. A partir desses trabalhos, chega aos elementos livres. Nessas obras, dispõe, em uma caixa similar a um quadro, peças dos mesmos materiais dos aramados, mas sem fixá-las. Assim, os elementos se organizam no quadro a partir do movimento da caixa feito por quem a manipula, rearranjando-se em diferentes configurações espaciais. Atinge, então, o ápice do contraste que marca sua produção: liberdade versus ordem.

O cuidado com que Arthur Luiz Piza concilia ordem e liberdade, assim como a constante exploração de novos materiais e meios para produzir suas obras, faz dele um dos grandes nomes da gravura no cenário internacional e também da arte abstrata no Brasil. 

Nota

1.ARTHUR Piza: mestre modernista das gravuras construtivistas. Senado Federal. Brasília, 30 nov. 2022. Disponível em: https://www12.senado.leg.br/institucional/museu/bloco-noticias-destaques/arthur-piza-mestre-modernista-das-gravuras-construtivistas. Acesso em: 28 jul. 2023.